被譽為劇場魔法師的加拿大編導羅伯．勒帕吉，擅於透過舞台技法講述故事，他的創想，總能孵化出感動觀眾的戲劇新型態。他的劇作《庫維爾1975：青春浪潮》3月底將於歌劇院登場，演出前夕，透過專文與QA，且來一探勒帕吉如何穿梭傳統與現代，帶來意想不到的拍案驚奇。
2012年，羅伯．勒帕吉成為麻省理工學院的尤金．麥克德莫特藝術獎（Eugene McDermott Award）的獲獎人，他在得獎感言提到：「劇場的存活依賴於它對新的科技與語言的擁抱。在這種方式下，藝術與科學的創新者會像是比肩而行，他們的心靈經常朝向新的可能性開放。」這種結合雙重性的開放能力，正是勒帕吉在創作上的特色。不僅如此，勒帕吉還結合了另一種雙重性，那就是東方與西方。
融合東西 讓高科技與傳統道具巧妙同行
源自對東方的興趣，勒帕吉不少作品都以東方題材為主題，比如《龍之三部曲》（1985）、《太田川的七條支流》（1994）、《藍龍》（2011）等。東方的表演文化，像是日本的淨琉璃偶戲，成為勒帕吉經常挪用的技巧。觀眾可以於《在月球的彼端》（2000）看到這種偶戲風格的表現。即將在臺中國家歌劇院演出的《庫維爾1975：青春浪潮》對偶戲的使用更加全面，令人聯想到法國陽光劇團同樣以真人扮演戲偶演出的《河堤上的鼓手》。
除了科技與藝術、東方與西方之外，高科技與低科技在舞台上並肩而行，也是勒帕吉另一種二元性的美學。這幾乎是他每一齣戲都會有的特徵：舞台上往往使用了高明的投影技術或機器裝置，但同時又會出現最傳統或古典的表演技巧。2007年《安徒生計畫》於國家戲劇院演出，是他第一個在臺灣演出的作品，舞台上創造了真人與投影同台互動的各種幻覺，其中最迷人的一場戲，卻是用燈泡創造的影子戲——每個觀眾看到之後，都會覺得導演太有想像力，而且拍案──「其實我也做得到，但，我怎麼沒想到！」
這種誘發觀眾想像力的發揮，是勒帕吉劇場美學的魅力。對科技的使用，在勒帕吉看來，是為了適應當代觀眾而不得不採用的變革策略。但是劇場最終魅力，卻是來自出乎意外的焦點轉換。這種轉換在勒帕吉的作品中，通常透過兩種方式，一種是道具轉換的技巧，其淵源應該是勒帕吉早年受到法國樂寇（Lecoq）風格的默劇教學影響。這通常是藉由對道具的創意使用，來改變觀眾對道具的想像，比如把水壺拿來當望遠鏡，表面上看起來道具沒變，但是在觀眾內心對這件事物在經過演員的戲劇行動後，卻有了不同的理解。
最傳統的肢體表演 卻具電影剪輯的時空幻化
另一種方法，則是來自電影美學。這裡也又顯示出勒帕吉劇場美學的另一種二元性來源，即傳統v.s.現代媒材。在電影裡有所謂的匹配剪輯（Match cut）的剪輯技巧，即前一場戲與後一場戲的時間地點不同，但是藉由前一場結尾與後一場開場在音效畫面或動作的相同，將這兩場戲連結起來。勒帕吉長達8個半小時的《眾聲喧嘩》於2010年在臺北藝術節演出，其中有一場戲，是一位住在中南美洲的女孩要被賣到美國，被強迫進行健康檢查並打針；打針的那一刻，忽然燈光變化，女孩子的表情轉成好像在享受，而正在打針的護士則同時脫掉外套，換上太陽眼鏡，並調整打針的方向——整個場面就在一瞬之間，從中南美洲的診療室，變成多年後在美國的旅館，而這名女孩已成為毒癮者。觀眾當然熟悉這種電影剪輯的敘事技巧，但勒帕吉不是直接用影像技術，而是透過最傳統的肢體表演來達到這樣的效果。
這就是勒帕吉劇場美學的驚人之處——把出乎意料的科技場面導得理所當然，把理所當然的日常段落導得出乎意料。
劇場青春浪潮：專訪羅伯．勒帕吉
文｜耿一偉（國立臺北藝術大學戲劇系兼任助理教授）
Q：獨角戲《在月球的彼端》是關於您的哥哥，獨角戲《887》是關於您的父親，那麼《庫維爾1975：青春浪潮》這齣獨角戲是否反映您跟您家庭的某些面向？
A：其實不見得是這樣。這並不是關於一個真正的家庭，戲中的家庭是頗為失常的。這齣戲更多是聚焦角色間的愛與信任，以及年輕的自我：不只是關於我們的父母或家庭，而是青少年成長過程中更在意的、外在的世界，比如初戀、失戀、性別認同的情結。相較於兒童時期，其實青少年活得更為黑暗，所以我會說，這齣戲正是關於家庭間的愛與信任。
Q：整齣戲的舞台設計看來相當複雜，創作過程是如何發展的？
A：這齣戲的舞台設計的確很複雜。不過在很早期的排練階段，我們先利用簡單材料做成原型舞台設計，玩了很多可能性，嘗試不同的視角，當然，《庫維爾1975：青春浪潮》還有運用到偶戲，我們試圖創造了類似某種偶戲舞台的視覺效果，但是這個空間又必須同時呈現為七○年代的典型魁北克郊區公寓。這確實是很複雜，不過在後來用木材做成真正的舞台前，我們用了很多紙箱來玩，所以經歷很多階段才發展成後來的舞台設計。舞台設計在我戲中往往扮演很重要的角色。
Q：在您其他的作品中，像是《在月球的彼端》或《太田川的七條支流》都有用到一些偶戲的元素。不過《庫維爾1975：青春浪潮》的表演主要採用了日本淨琉璃啟發的偶戲技巧。您為何會挑偶戲呢？
A：的確，在《庫維爾1975：青春浪潮》用了不是純粹的淨琉璃，而是挪用了這種表演模式，讓3個黑衣人來操縱偶。這齣戲裡有3個操偶師，一個是我，以及另外兩位演員。偶戲在這齣戲之所以會扮演重要角色，是因為獨角戲是非常私密的，但我希望身邊可以有其他人物圍繞；另一個原因是，如果要我扮演青少年以及他們的慾望，在舞台現場有一定難度。因為要讓真正的青少年上舞台演這些是很難的，比如彼此碰觸或是自慰等。但是偶戲可以做很多事，要呈現青少年對自己身體或別人身體的探索，就很容易表現，偶戲在一齣談論青少年的戲裡，是比較適合的工具。
Q：您的獨角戲總是處理「記憶」的主題。您覺得「記憶」對當代社會的重要性為何？
A：的確，記憶對我來說非常重要。想想這個世界所面對的問題，不論是國際間或在某個國內，最大的問題就是缺乏記憶，現在的世界到處充滿戰爭與貧窮，而類似的事情不久之前才發生，但這些可怕的後果，我們都不記得了。這些可能都是發生在上一代，在20、30或40年前才發生過。歷史沒有給我們帶來任何教訓，所以回憶很重要的功能是提醒人們：過去發生了什麼事？過去的樣貌到底為何？結局是好或壞？年輕的世代對歷史沒有興趣，他們沒有任何記憶。所以我認為，藝術家必須成為歷史的提醒者。
Q：相較於電影或書本，劇場在處理記憶的議題時，有任何優勢嗎？
A：很多媒體都可作為很好的溝通工具。但是劇場是一種交融（Communion），劇場讓大家聚集在一個房間。如果你跟大家處在電影院裡，電影不會因為觀眾多寡而所有改變，而觀眾也沒辦法影響銀幕上的演出，但在劇場裡觀眾可以影響舞台發生的事。因此，每一次的表演都是獨一無二的。這是基於當下你是誰，還有你是什麼時候處在什麼樣的空間裡，當我站在舞台上，我就跟過去兩或三年前開始創作這齣戲的那個我不一樣，而在台下看我的人也有所不同。劇場的重要性，就是故事是在這裡、在現在、在這個特殊時刻被訴說。相較於其他說故事的形式，劇場的溝通是非常不一樣的，是一種交融。
Q：在《庫維爾1975：青春浪潮》中，舞台上不只有您一位演員，還有其他操偶者。您覺得這樣的表演還可以叫獨角戲嗎？還是改變了獨角戲的定義呢？
A：我覺得即使台上有操偶師或是偶，這齣戲還是可以被稱為獨角戲（Solo Show），因為Solo意味著孤獨（Solitude），而這齣戲是談孤獨的狀態，即使舞台上還有其他操偶師與技術人員，但是演員還是孤單的，而這齣戲要表達的是關於與眾不同的感受，感覺到自己是獨一無二的，而這對我來說才是獨角戲的意思。
羅伯．勒帕吉Robert Lepage
當代最具影響力的跨領域劇場魔法師，身兼劇作家、演員、導演，擅長透過場面調度與舞台編導技巧來敘說故事，作品運用科技與多媒體建構舞台，常融合多元文化背景與創新技術運用，打造具原創性、當代感的非凡之作，全能的才華備受國際肯定，曾獲頒國際表演藝術協會「傑出藝術家獎」等。
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